Emily Kame Kngwarreye (1910‑1996) es una de las artistas aborígenes australianas más célebres y talentosas de la época contemporánea.
Una vida en el desierto
Emily nació en 1910 entre el pueblo Anmatyerre, en la zona desértica de Alhalkere, territorio que más tarde se conocería como Utopia. Creció junto a su hermano y hermana, con escasos contactos fuera de su comunidad. Contrajo matrimonio dos veces: primero en un matrimonio arreglado y, posteriormente, por amor.
Aunque no tuvo hijos propios, mantuvo una estrecha relación con sus sobrinas. Crió a Barbara Weir, hija de su cuñada, hasta los nueve años. Barbara pasó a formar parte de la "Generación Robada", niños aborígenes australianos que fueron arrebatados a sus familias por el gobierno. Creyendo que estaba muerta, la niña fue criada por familias de acogida y solo se reencontró con su madre y tía en la adultez.
Una carrera artística tardía
Los primeros contactos de Emily con el arte fueron a través de las tradiciones aborígenes, creando motivos para ceremonias. A los 70 años, junto a la comunidad de Utopia, descubrió la técnica del batik, una forma ancestral de pintar sobre textiles practicada en África occidental, Oriente Medio y Asia.
El proceso laborioso del batik la cansó, y decidió pasar al lienzo.
“No quería seguir con el trabajo duro que exige el batik: hervir la tela una y otra vez, encender fuegos y agotar el polvo de jabón. Por eso abandoné el batik y cambié al lienzo, que era más sencillo. A medida que envejecía, mi visión se deterioraba… me resultaba más fácil pintar.”
Mis sueños
En 1988‑1989, la Central Australian Aboriginal Media Association (CAAMA) introdujo la pintura acrílica en Utopia. Tras organizar una exposición, las obras de Emily recibieron una aceptación inmediata.
Guiada inicialmente por el artista Geoffrey Bardon, Emily desarrolló rápidamente un estilo propio, empezando con puntos de colores de distintos tamaños y tonalidades. Su inspiración proviene de su tierra natal y de su experiencia como mujer aborigen de Alhalkere. Al describir sus obras, explicó:
“Todo, eso es todo: Awelye (mi sueño), Arlatyeye (ñame), Arkerrthe (lagarto de montaña), Ntange (semilla de hierba), Tingu (cachorro del Dreamtime), Ankerre (emu), Intekwe (planta favorita de los emús), Atnwerle (judía verde) y Kame (semilla de ñame). Eso es lo que pinto, todo.”
Estilo e inspiración
Emily pintó primero para CAAMA y luego para una galería de arte aborigen en Melbourne. Sus obras despertaron rápidamente el interés del mercado; pese a su edad, llegó a crear una pintura al día. Entre 1989 y 1990, sus piezas generaron más de un millón de dólares en subastas para la comunidad de Utopia.
Su estilo evolucionó de puntos de colores a líneas paralelas que representan ríos y tierras. Las líneas se hicieron más gruesas y los puntos más amplios, incorporando anillos y cruces que aluden a los bloques esenciales de la vida en el desierto de Alhalkere, donde el ñame es fundamental para la supervivencia.
El éxito y los desafíos
El creciente reconocimiento trajo presiones: la comunidad blanca le solicitaba adaptar su técnica a estilos específicos y recibió constantes abordajes de marchantes de arte. Emily relató haber escapado de "cinco o seis caravanas de marchantes inescrupulosos" en Utopia. Hasta el final de su carrera, estuvo bajo la constante mirada de compradores.
Legado
Emily Kame Kngwarreye falleció en septiembre de 1996 en Alice Springs. Su primera exposición individual se realizó en Ámsterdam en 1999. En 2013 se inauguró el Emily Museum en Cheltenham, Australia, el primer museo dedicado exclusivamente a una artista aborigen.
