Pintura holandesa del siglo XVII.

Edad de oro de la pintura holandesa , elsiglo XVII ve el surgimiento de pintores talentosos, como Rembrandt, Frans Hals, Jan Vermeer, Pieter De Hooch, Jacob Van Ruysdael y Carel Fabritius, cuyo arte pronto es aclamado en todo el continente. En aquella época, el mercado de la producción artística en los Países Bajos protestantes era el más dinámico de Europa. Los artistas no esperan pedidos en su estudio, sino que acuden a ferias para encontrar compradores potenciales, popularizando así su arte. Bajo la influencia del protestantismo, se redescubren temas tomados del Antiguo Testamento. Del mismo modo, se desarrollan y codifican géneros, como los retratos, las naturalezas muertas, los paisajes y las escenas de la vida cotidiana, conocidas como escenas de género.

La edad de oro de la pintura holandesa

Si bien la pintura mitológica seguía siendo el género dominante practicado por la mayoría de los artistas europeos, algunos pintores holandeses, por el contrario, se esforzaron por representar gestos aparentemente inofensivos. La pintura de género no se interesaba por personajes conocidos, no era el objetivo. Este es diferente y por eso están representados individuos anónimos. Se trataba, en palabras del ensayista Tzvetan Todorov, de “representar lo que es”. Fue, y de hecho sigue siendo, un debate actual para comprender el significado de estas pinturas. ¿Existe sólo una representación de la vida cotidiana o tiene un papel moralizador?

En este sentido, el cuadro titulado "La Sagrada Familia" pintado por Rembrandt en 1640 muestra a una matrona, una madre, su bebé y un carpintero trabajando al fondo y de espaldas a el espectador. ¿Deberíamos, considerando el título del cuadro, ver una analogía con la santa familia católica compuesta por María, José y Jesús? ¿Deberíamos ver una sencilla familia holandesa con un padre trabajando madera? Si Rembrandt hacía referencia a la Sagrada Familia, ¿quería mostrar las virtudes de la vida familiar? Podemos creer que la pintura de género en realidad mezcló los dos:algunos artistas no crearon con un propósito moralizante, mientras que otros sí lo hicieron.

Una cierta alegría de vivir emana de ciertas pinturas y ciertos pintores lo han intentado con éxito. Así, Adrian Brouwer pintó satíricamente las diversiones campesinas, en escenas de taberna donde la embriaguez distorsionaba los rasgos de los sujetos. Adrian van Ostade (1610-1685) destacó por representar escenas de la alegre compañía de las clases trabajadoras.

En el mismo género, Jan Steen (1625-1679), que regentaba una taberna en Leiden, compuso escenas de casas desordenadas, donde la borrachera, la pereza, el tabaquismo y la lascivia se apoderaban sistemáticamente de encima. También pintó a menudo cuadros alegres y armoniosos como la "Comida del Bautismo", que es un óleo sobre lienzo de 1664 y que muestra a padres y amigos celebrando el bautismo de un bebé recién nacido que acaba de tener lugar. De hecho, tanto protestantes como católicos concedían gran importancia al bautismo –que era, además, uno de los dos sacramentos, junto con la Eucaristía, reconocidos por Lutero en el siglo XVI– y que se suponía borraba el pecado original. Sacramento, el primero, sin el cual la salvación del recién nacido no podría estar asegurada y, por tanto, condenaría el alma del niño a vagar en el limbo, en un lugar extraño donde el sufrimiento y la alegría son imposibles.

Escenas de género en la pintura holandesa

Acabamos de decir que en las escenas de género, los pintores representan lo que es. Sin embargo, esto no es exactamente cierto porque, de ser necesario, y habiendo las Provincias Unidas muy a menudo en guerra, ya sea en la lucha por la independencia contra España, en los conflictos marítimos con Inglaterra o en la guerra holandesa, ¿no deberían haber representado los pintores de género? escenas de batalla? De hecho, la pintura genérica no tiene nada que ver con batallas y guerras porque se ocupa sobre todo y casi exclusivamente de la vida cotidiana de la sociedad. Así en "La carta de amor" de Vermeer.

Realizada hacia 1669, vemos a una mujer recibiendo una carta de amor. El espectador tiene la impresión de ser indiscreto. Su precisión fascina. La escena es teatral, la puerta está abierta, el telón levantado. De prisa, la criada, que trajo la carta y probablemente estaba ansiosa por hacerlo, dejó caer sus zapatillas al suelo. La criada parece satisfecha de haber traído la carta, su brazo, relajado, lo atestigua. La mirada del músico es interrogativa. Las perlas y el brillo de los tejidos informan de su rango. Las pinturas del fondo son interesantes en muchos sentidos.

De hecho, el tema de la pintura detrás del sirviente confirma la carta. Vemos un barco que se hace a la mar. El barco personifica al galante que envió la carta mientras que el océano personifica el amor. El libro de emblemas enamorados de Jan Hermansz. ¿No dice Krul, publicado en 1634, que "el amor es como un mar, el amante como un barco"?

Algunos pintores holandeses famosos

La escena tiene lugar en un interior burgués pero modesto. Podemos ver en primer plano a la derecha una cómoda. A la izquierda, la apertura al exterior, que aporta luz y que Pieter de Hooch domina a la perfección. También notamos algunas pinturas que cubren las paredes.

A veces también pintaba cuadros que representaban a niños de pie en el umbral de la puerta que permanecía abierta (Niño con cesta, La habitación, El juego de Kolf, El mensajero). Básicamente, tal vez quería simbolizar la curiosidad infantil por el mundo exterior, es decir, la búsqueda y el descubrimiento de lo desconocido. Era, sobre todo, para él la forma de configurar su arte:el dominio de la perspectiva.

Johannes Vermeer, llamado en el siglo XIX la "Esfinge de Delft", fue un famoso pintor de su época, A diferencia de lo que se lee a veces, pero sin embargo su gran notoriedad fue posterior, mientras era la figura artística de Delft. Son sus escenas interiores las que lo han consagrado. A él le debemos, entre otros, el Astrónomo, la Lechera, el Geógrafo, el Collar de Perlas. En "La laitière" y "La lacemaker", la mujer siempre parece absorta en su trabajo.

A diferencia de todos los demás pintores de su país, apenas pintaba para vivir y ganar dinero sino mucho más porque le encantaba (se podría decir sin exagerar, si no hubiera sido un verdadero profesional, que se dedicó al arte como aficionado), tal vez por eso, según Todorov, "trasciende el arte de su tiempo". Además, nunca cambió su ritmo:pintaba una media de tres o cuatro obras al año.

Es un "buen pintor que pinta desenfocado", según la fórmula de Daniel Arasse. En la mayoría de sus cuadros parece haber un obstáculo entre la figura que representa y el espectador. Así, el objeto principal siempre va precedido de una alfombra, una mesa, etc. En “La encajera”, el hilo es increíblemente preciso mientras que el resto es bastante vago. Básicamente, Vermeer quería que el espectador viera el hilo como la encajera.

Pintó muy pocas escenas al aire libre, aunque dos de ellas se hicieron famosas, a saber, "Vue de Delft" y "La Ruelle". En cuanto al hombre Vermeer, sabemos que era padre de once o doce hijos (según nuestras lecturas, las cifras variaban). Alrededor de los veinte años se había convertido al catolicismo, al igual que Jan Steen y Van Goyen. Sorprendentemente, murió pobre, no por ningún fracaso de sus obras.

En cuanto al significado de las obras genéricas, parece que los artistas buscaron mostrar que la belleza reside en todo, en cada gesto, en cada individuo. Para ellos, ya no se trata de hacer ditirámbico pictórico de la belleza de una Afrodita, sino mucho más de hacernos comprender que la belleza de la madre que amamanta a su hijo puede trascender la de la diosa del amor.

El simbolismo de los objetos y la representación de mujeres y niños

A menudo los objetos estaban ocultos detrás del realismo de la representación pero, sin embargo, tenían un significado moral. Por nombrar algunos, la escoba evoca la limpieza o pureza moral del hogar. La carta necesariamente se refiere al amor. El espejo indica vanidad. En efecto, a través de la representación del espejo, los pintores querían mostrar que el cuerpo humano sólo puede degradarse, incluso añadiendo algunos artificios y "haciéndose bello o bello".

La sexualidad podría estar representada por una cebolla o la presencia de un perro ("Le Hachis d 'Onions' de Gérard Dou y la 'Dame à son virginal' de Gabriel Metsu, que por cierto fue alumno de Gerrit Dou) o incluso un gato En "Oyster Eater" de Jan Steen, una mujer traviesa come un puñado de ostras. pinturas de Gerrit Dou Se desprende claramente de esta pintura una sensualidad representada por la mirada de la joven y la presencia de ostras, que se consideran afrodisíacas. Este simbolismo de los objetos era conocido por los contemporáneos y adivinaron fácilmente el significado moral de estas pinturas.

El cuadro "Mujer leyendo" de Pieter Janssens Ellinga mostraba a una mujer leyendo en una habitación bien iluminada. En las Provincias Unidas, las mujeres disfrutan de una libertad más pronunciada que en Francia y, a fortiori, que en Europa. Pero eso no significa que debamos creer en la igualdad entre los sexos:no obstante, se anima a las mujeres a quedarse en casa, a concebir y criar a sus hijos. Es más, muchas escenas de género les invitan a hacerlo. El caso de Judith Leyster, ya citado, lo ilustra bien. Si bien fue una gran representante de los pintores genéricos, la mayor parte de su obra fue realizada antes de su matrimonio.

Muy a menudo el niño encarna la desobediencia y el desorden. Pero también puede evocar virtud. A veces, los pintores que tenían pocos hijos como Pieter de Hooch (que tenía dos) representaban muy a menudo a niños en sus cuadros, mientras que un pintor como Vermeer, que tenía doce hijos, ¡nunca representaba a niños!

Para ir más lejos

- Pintura flamenca y holandesa. Ediciones Place des Victoires, 2015.

- Pintores holandeses del siglo XVII, por Wilhelm Martin. Monfort, 1994.

- Vermeer y los maestros holandeses, de Eloi Rousseau. Larousse, 2017.